Pour beaucoup de gens, le fait d’arriver à une définition de l’art contemporain peut être une tâche difficile. Alors que son titre est simpliste et bien simple, sa signification moderne n’est pas aussi claire. Heureusement, comprendre ce qui constitue un «contemporain» est tout à fait possible une fois que l’on retrace l’histoire du concept et explore ses thèmes sous-jacents.
Qu’est-ce que l’art contemporain?
Dans son sens le plus fondamental, le terme «art contemporain» fait référence à l’art – à savoir, la peinture, la sculpture, la photographie, l’installation, la performance et l’art vidéo – produit aujourd’hui. Bien qu’apparemment simples, les détails entourant cette définition sont souvent un peu flous, car les interprétations de «aujourd’hui» par les différents individus peuvent varier grandement et de façon très large.
Par conséquent, le point de départ exact du genre est encore débattu; cependant, de nombreux historiens de l’art considèrent que la fin des années 1960 (la fin de l’art moderne, ou le modernisme) est une estimation adéquate.
Histoire: Mouvements majeurs et artistes
Compte tenu de sa définition de «l’art d’aujourd’hui», vous pourriez être surpris d’apprendre que l’art contemporain comme vous pouvez l’admirer à la galerie art Marrakech David Bloch a en réalité une histoire relativement longue. Pour suivre son évolution, regardons les mouvements et les grands artistes qui composent son histoire.
POP ART
Conçu comme une réaction aux mouvements d’art moderne précédents, l’art contemporain est censé avoir commencé sur les talons du Pop Art. Pop Art a été pionnier par des artistes comme Andy Warhol et Roy Lichtenstein, et a été défini par un intérêt à dépeindre la culture de masse. Il a duré à peu près des années 1950 jusqu’aux années 1970. Et grâce à des artistes comme Jeff Koons, il renaît sous le nom de Neo-Pop Art dans les années 1980.
PHOTOREALISME
Tout comme les artistes travaillant dans le style Pop Art cherchaient à reproduire artistiquement des objets, ceux impliqués dans le photoréalisme visaient à créer des dessins et des peintures hyperréalistes. Les photo réalistes travaillaient souvent à partir de photographies, ce qui leur permettait de reproduire fidèlement des portraits, des paysages et d’autres iconographies. Chuck Close et Gerhard Richter travaillaient souvent dans ce style.
CONCEPTUALISME
À son tour, Pop Art a également contribué à façonner le conceptualisme, qui a combattu contre l’idée de l’art comme une marchandise. Bien que ce mouvement expérimental soit enraciné dans l’art du début du XXIe siècle, il est apparu comme un mouvement formel dans les années 1960 et reste aujourd’hui un important mouvement d’art contemporain. Dans l’art conceptuel, l’idée derrière une œuvre d’art a préséance. Les principaux artistes conceptuels incluent Damien Hirst, Ai Wei Wei et Jenny Holzer.
MINIMALISME
Comme le conceptualisme, le minimalisme s’est matérialisé dans les années 1960 et est encore répandu aujourd’hui. Selon le Tate, les deux mouvements «contestent les structures existantes pour fabriquer, diffuser et regarder l’art». Ce qui distingue le minimalisme, cependant, c’est que son esthétique simple et abstraite invite les spectateurs à réagir à ce qu’ils voient et ce que l’œuvre d’art représente. Donald Judd, Sol LeWitt, et Dan Flavin sont quelques artistes minimalistes clés.
Célébrez l’élégance et l’exubérance de l’art rococo français
Reconnu pour la légèreté de son art raffiné et décoratif, le style rococo s’épanouit dans la France du XVIIIe siècle. Les artistes travaillant dans cette esthétique frivole ont construit sur la flamboyance de la période baroque, adaptant son esthétique grandiose pour produire des œuvres d’art tout aussi extravagantes mais distinctement ludique.
Le mouvement Rococo est principalement associé à deux types d’art: la peinture et les pièces décoratives. Ici, nous dévoilons ce style unique afin de comprendre sa signification dans l’histoire de l’art.
Le terme Rococo est dérivé de rocaille, une méthode spéciale de décoration des fontaines et des grottes qui remonte à la Renaissance italienne. En utilisant cette technique, les artisans mélangent des coquillages, des cailloux et d’autres matériaux organiques avec du ciment, pour aboutir à un milieu naturaliste inspiré de la mer.
Sujet ludique
Beaucoup de peintures rococo présentent des sujets raffinés mais joviaux – une approche qui a été popularisée par le peintre français Antoine Watteau. En tant que père de la fête galante – un genre de peinture qui privilégie les Garden-parties, les festivals et autres événements en plein air – Watteau a produit des scènes fantaisistes de gens socialisant dans des paysages pastoraux. Avec souvent des Cupides flottants, des déesses grecques et d’autres figures mythologiques, ces représentations mélangent fantaisie et réalité à la perfection.
