L’artiste new-yorkais Paul Pagk est un peintre abstrait qui se consacre à explorer les limites des notions traditionnelles de la grâce, de la proportion et de l’équilibre oppositionnel. En observant son travail, Pagk veut que nous comprenions son processus de pensée, que nous soyons conscients de la manière dont ses idées changent et s’adaptent aux différents aspects tangibles et intangibles de la toile. L’artiste lui-même explique probablement une relation aussi complexe, bien que son explication soit un peu abstraite:
La route de l’artiste vers l’acceptation
Paul Pagk est né à Crawley, en Angleterre, au cours de l’année 1962, d’un père tchèque et d’une mère anglaise. Puisque sa maman était elle-même peintre, elle amenait souvent son fils à des visites de musées au cours de ces premières années de la vie de Paul – ce qui s’est avéré très influent au cours des années suivantes. Pagk a étudié à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts à Paris, en France, entre 1978 et 1982.
Après avoir obtenu son diplôme, Paul fonde l’espace 55 rue des Panoyaux dans le quartier de Ménilmontant à Paris, un espace de travail pour les artistes que Pagk a établi dans une ancienne fonderie. Un an plus tard, le peintre en herbe rencontre le galeriste français Jean Fournier, qui devient l’un de ses premiers collectionneurs. En septembre 1988, Pagk s’installe à New York où il s’installe dans un loft d’artiste loué. Ce qui devait être un arrêt d’un an est devenu un séjour de longue durée puisque Paul a passé la majeure partie de sa carrière à travailler dans la Big Apple.
Et en effet, l’œuvre de Pagk apparaît comme si elle a été faite au cours de la dernière moitié du siècle dernier. Ses surfaces progressivement reconstituées soulignent à nouveau la qualité de la peinture elle-même, en lui attribuant le rôle principal dans la hiérarchie de l’œuvre. Franklin Sirmans a également noté que les œuvres de Paul amènent le public à une chevauchée historique des constructivistes russes comme Kazimir Malevich, aux abstractions déductives d’Ad Reinhardt et de Barnett Newman dans les années 1950, aux monochromes conceptuellement influencés de Robert Ryman à la galerie art Marrakech de David Bloch. Pourtant, le style de Pagk est étonnamment capable d’éviter toute ode pénible au désir moderniste ou postmoderniste.
Pour Pagk, le rituel de la peinture est un aspect crucial de l’œuvre achevée. Il travaille souvent sur une seule peinture pendant plus de trois mois, alors il passe évidemment beaucoup de temps à tirer le meilleur parti de chaque composition. Plus de plusieurs récompenses témoignent d’un tel travail de qualité – Paul est le fier receveur du Prix Fénéon (1987), Fondation Pollock-Krasner (1998), Prix Sheldon Bergh (2000), Adolph et Fondation Esther Gottlieb (2012), Bourse de la Fondation Pollock-Krasner (2012), et Fondation des peintres et sculpteurs de la Fondation Joan Mitchell (2014).
Connu aux États-Unis comme à l’étranger
À leur base, les peintures de Paul Pagk se concentrent à la fois sur la connotation du doute et sur la force. Avec un tel centre d’intérêt, il n’est guère surprenant que son travail ait été régulièrement exposé aux États-Unis et en Europe. Un tel statut international est probablement la chose la plus intéressante de l’œuvre de Paul – bien qu’il soit considéré comme un peintre quintessentiel de New York, son travail continue d’avoir une forte résonance européenne.
